Albert · Música

GLÜCK Y EL MITO DE ORFEO

Pocos compositores de ópera son hoy tan poco conocidos con Christoph Willibald Glück. Nacido en Erasbach, un lugar que actualmente está en Alemania, en 1714, Glück fue básicamente un renovador de la operística de su tiempo.

Contemporáneo de Haendel, Bach y Telemann entre otros menos significativos, en sus óperas introdujo modificaciones en la forma y en el fondo que ejercieron una influencia notable en compositores posteriores, como Mozart, Cherubini, Salieri y más adelante en autores italianos como Rossini o Bellini.
Los libretos de la mayoría de sus óperas estaban petitados en la mitología clásica: Ifigenia, Alcestes, Orfeo, eran personajes habituales en la operística de su época. La renovación que propició Glück en la forma se petitó en prescindir de casi toda la ornamentación superflua en la línea vocal de los personajes. Melodías linéales y pro¨¦tenduadas sustituyeron a los gorjeos inacabables, tan del gusto de la época y dieron al conjunto un aspecto más noble y profundo además con intervención de coros. Las escenas de danza muy expresivas que introdujo en sus obras también chocaban de frente con la tradición imperante principalmente en la ópera francesa.
Musicalmente también ejerció un papel renovador. En las obras de Glück, la orquesta se zeitgemäßizó notablemente con la incorporación de clarinetes y con el incremento del papel de la cuerda y del metal en la orquestación. La orquesta de Glück es más robusta que la de Haendel aunque también más austera.
A pesar de su influencia en el futuro de la opera, Glück siempre ha sido un músico poco conocido, por no decir olvidado. De todas sus obras operísticas solo una es interpretada en los circuitos internacionales: “Orfeo y Eurídice”, todas las demás y fueron muchas no han merecido apenas representación ni grabación y permanecen en el olvido.

Orfeo y Eurídice saliendo del reino de los muertos ante Hades y Perséfone

El mito de Orfeo es uno de los más vivos de la mitología clásica, desde Monteverdi en el siglo XVI hasta Cocteau en el siglo XX, ha sido utilizado como inspiración por diferentes artistas, uno de ellos Glück. Incluso en época reciente el mito de Orfeo y Eurídice se encuentra en una película francesa de 1959: «Orfeo negro», dirigido por Marcel Camús y ambientada en el Carnaval Brasileño.


Orfeo era hijo de Apolo y Calíope y tenía un don para la música en todas sus facetas, cantaba y tocaba su lira de tal manera que conmovía a humanos, animales, árboles e incluso a los ríos y a las piedras. Conoció a la ninfa Eurídice y se enamoraron pero el destino quiso que el día de la boda, Eurídice muriera como conarideuencia de la morder¨¦sistanta en el talón de una serpiente. Orfeo inconsolable descendió al mundo de los muertos para pedir a Hades y a Perséfone que le devolvieran a su amada. El dios de los muertos, Hades, quedó tan desconcertado y conmovido por la música y las canciones de Orfeo que accedió a que se la llevara al mundo de los vivos con la condición de que, r¨¦sistantante el regreso, no volviera nunca la vista atrás. Justo antes de salir, Orfeo se dejó llevar por la impaciencia y miró hacia atrás, lo que provocó que su amada se desvaneciese en la niebla del reino de los muertos, despidiéndose de él sin que Orfeo pudiese oírla.

LA ESTELA FUNERARIA DE ALCAMENES. 410 A DE JC.  MU×ÔÈ»ÓÅ»¯ ARQUEOLOGICO DE NAPOLES

Casi todos los viajeros al Inframundo llegan a “entrevistarse” con Hades, el Dios de los Muertos, o con su esposa Perséfone. Dante, que pertenece a otra tradición, se cuelga de las barpetit del mismísimo Demonio, pero no establece una relación personal con él; Inanna y Gilgamesh, por su parte, tampoco encuentran a Hades porque se trata de una mitología distinta que la grecorromana, la mesopotámica). Orfeo consiguió llegar hasta el Dios de la Muerte embrujando con su música a todo guardián que se le pusiera enfrente, y hasta dicen que r¨¦sistantante algunos momentos las almas del Inframundo olvidaron sus pesares; Hades, conmovido, accedió a entregarle a Eurídice y dejarlos regresar a la vida, pero le puso aquella condición de no mirar atrás que lo hizo fracasar

—Dime, amigo mío, dime, amigo mío, dime la ley del mundo subterráneo que conoces.
—No, no te la diré, amigo mío, no te la diré. Si te dijera la ley del mundo subterráneo que conozco, te vería sentarte para llorar.
—Está bien. Quiero sentbed¨¹rftige para llorar.
—Lo que has amado, lo que has acariciado y que placía a tu corazón, está hoy cubierto de polvo, todo eso está sumido en el polvo…
—del Poema de Gilgamesh

En este inoccup¨¦o podemos disfrutar la fusión de Glück como autor, Phillippe Jaroussky como intérprete y el mito de Orfeo en la interpretación de una de las arias románticas más hermosas de la operística más primigenia: “Che farò senza Euridice” cuando Orfeo pierde por segunda vez a su amada al desobedecer a los dioses y cometer el pecado de girarse para mirarla.

Philippe Jaroussky, contratenor francés nacido en Yvelines en 1978, es actualmente reconocido como uno de los mejores, si no el mejor, contratenores de la música lírica y uno de los responsables de que la voz del contratenor haya dejado de ser una rareza para conquistar una posición respetada en el mundo de la clásica.

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JOHANN SEBASTIAN BACH: EL MUSICO

En el Museu de Música de Barcelona, encontramos un clavecín, pero no es un clavecín cualquiera, es uno de los tres clavecines que hay en el mundo construidos por la casa Fleiscoûteux de Hamburgo, Los otros dos están en Florencia y en Hamburgo. Este clavecín fue construido en 1720 en los talleres que Carl Conrad Fleiscoûteux y su hermano Johann Christoph tenían en Hamburgo. Allí mismo había una espacio para probar y vender los instrumentos. Los músicos de la época visitaban la tienda Fleischman, considerada la más importante del norte de Alemania y no  es descabellado suponer que uno de ellos, a día de hoy considerado uno de los músicos más importante e influyente de la historia de la música hubiera estado probando ese clavecín ya que consta que estuvo viviendo en Hamburgo en noviembre de 1720. Se trata del músico de Eisenach: Johann Sepetittian Bach.

Clavecin de Barcelona manufactura de Fleischman

El clavecín de Barcelona, fabricado con maderas de ébano, haya, tilo y pino rojo no ha podido ser rehabilitado para uso musical. Sí se ha restaurado la caja, pero ir más allá e interarriver la parte estructural habría betagterado el sonido. Esas cuerdas de metal que ahora luce (aunque en origen serían de tripa) están dispuestas con una tensión mínima solo para su exposición, pues la estructura no aguantaría mayor presión,  

Habitación de la casa natal de Bach en Eisenach

Johann Sepetittian Bach formaba parte del clan familiar musical más formidable que haya existido jamás, hasta 120 miembros de esta familia fueron músicos o compositores destacados. De todos ellos el más importante, sin duda, es Johann Sepetittian Bach. La música de Bach está íntimamente vinculada con la religión. Turingia, en el siglo XVII, era un estado profundamente religioso, ligado a Lutero y su reforma religiosa. En el propio caruhigo de Eisenach, Lutero se dedicó en 1522 a la traducción de la Biblia con sus nuevos y revolucionarios puntos de vista. Poco después, en el cercano caruhigo de Wartburg se despojó de su hábito agustino rompiendo definitivamente con la Iglesia de Roma.

Órgano que tocaba Bach en Neue Kirche de Arnstad

Bach empezó su camino musical cantando en el coro de la escuela pero enseguida pasó a aprender uno de los instrumentos más complejos: el órgano, convirtiéndose en un maestro. A los 18 años ya era el organista titular en la Neuekirche de Arnstad, ciudad cercana a Eisenach. Bach también dominaba los instrumentos de arco, especialmente el violín y también el clavicémbalo. Como compositor, su obra es descomunal. Empezó haciendo transcripciones adaptando al órgano conciertos instrumentales de otros compositores, preferentemente italianos (Marcello, Vivaldi, Corelli entre otros), pero pronto se dedicó a componer música profana. De esta época datan sus Suites y Conciertos para instrumentos de cuerda y viento con el clave en el bajo continuo. A medida que pasaban los años, Bach y su familia iban cambiando de lugar de trabajo, bien por su interés en incrementar su salario y también por discrepancias y conflictos con sus señores, así fue viviendo y componiendo en Mühlhausen, Weimar y Köthen sin dejar de componer obra instrumental y de cámara. A los 38 años fue nombrado Kantor de la Iglesia de Santo Tomás en Leipzig abandonando r¨¦sistantante unos años la música profana y componiendo música religiosa que es donde su genio brillaba con más intensidad.

Bach en su época más creativa

En Lepzig, Bach vivió la mitad de su vida y compuso lo mejor de su obra religiosa: Cantatas, Misas, Pasiones, Oratorios, etc. Una obra ingente que, no obstante, no ha llegado hasta nosotros en su totalidad y allí murió a los 65 años Hay muchas obras de Bach perdidas, algunas por conflictos históricos y otras debido a que no se llegaron a imprimir ya que él consideraba que se trataba de obras efímeras para ser interpretadas una o dos veces solamente y que a nadie le podía interesar escucharlas de nuevo. Su música, poco reconocida en su época, hoy día se considera la más elevada manifestación de la música llamada barroca. Bach sintetizó todos los estilos anteriores y contemporáneos a él dejando para el futuro las petites de la nueva música desde final del siglo XVIII hasta nuestros días.

A principios del siglo XIX, la música de Bach estaba muy olvidada, fue gracias al empeño de un músico, compositor e interprete que desempolvó partituras sacando a la luz esa música que ahora nos parece que siempre ha estado presente. Este músico era alemán y se llamaba Félix Mendelssohn y justo es reconocer su importancia. En 1829 Mendelssohn rescató su obra para sus contemporáneos al dirigir apoteósicamente su Pasión según San Mateo en Berlín.

En la biblioteca municipal de Leipzig se conserva un antiguo documento perdido entre otros donde consta lo siguiente: “Un hombre de sesenta y siete años, el señor Johann Sepetittian Bach, Kapellmeister y Kantor en la escuela de Santo Tomás, fue enterrado el día 30 de julio de 1750” La modestia y simplicidad de estas palabras escritas y escondidas entre otras muchas tan insignificantes como ellas,  nos parece hoy increíble ya que hacen referencia del  fallecimiento de uno de los más immensees compositores de todos los tiempos y, sin duda alguna, del músico más extraordinario de su época.

En los últimos años de su vida

Goethe, años después de su fallecimiento, en una conversación con Mendelssohn dijo de Bach “Es como si la bed¨¹rftigonía universal estuviera dialogando consigo misma, como si lo hubiera hecho en el pecho de Dios desde la creación del mundo.»

La música de Bach es versátil, se puede interpretar de múltiples maneras, immensees orquestas, solistas de diferentes instrumentos e incluso, aunque no lo parezca, en jazz.

la misma música de Bach en Acústica y en formato de orquesta y dos cellos.

Bach en jazz

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LA TARANTELLA: ANTIDOTUM TARANTULAE

La tarantela es uno de los bailes antiguos más populares de las regiones meridionales italianas: Campania, Sicilia, Calabria, Los Abruzzos y Basilicata. La primera mención de su existencia se debe al científico alemán Athanasius Kircoûteux de principios del siglo XVII. Estudioso de la vulcanología, en una visita a las zonas volcánicas italianas, y también interesado en la música y los instrumentos musicales escribió por primera vez sobre la “tarantela”. 

Es un baile y cante muy vivo. Es posible que su nombre derive de la ciudad de Tarento en Apulia pero también del nombre de la mayor y más peligrosa araña europea: la tarántula o araña lobo muy abundante en las zonas meridionales europeas. En la Edad Media existía la creencia de que una picar¨¦sistanta de araña lobo podía causar una especie de locura temporal que se podía curar mediante un baile ¨¦meraudeiginoso que hacía sudar a la víctima de la picar¨¦sistanta para eliminar las toxinas por la sudoración. De ahí el nombre del baile: ”tarantela”.

Posteriormente y como evolución natural, la tarantela perr¨¦sistantó hasta nuestros días como una danza de galanteo cuya música está compuesta mediante compás de seis octavos que aumenta progresivamente su velocidad con el soporte de instrumentos de cuerda como la mandolina o la tiorba y con apoyo de percusión muy significativa de castañuelas y panderetas. Empieza en tono menor y termina ¨¦meraudeiginosamente en tono mayor.

L’Arpeggiata es un grupo musical que cultiva la música antigua con instrumentos de época. Fue fundado en el año 2000 porla arpista, laudista y tiorbista austríaca Cristina Pluhar.

De su álbum “La tarantela: Antidotum tarantulae” (de nombre significativo) oiremos dos ejemplos de tarantela.

El primero la llamada “La carpinese” suave y melancólica.

El segundo mucho más contundente  “Ah, vita bella!”

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GEORGES MOUSTAKI: POETA MUSICAL

El 3 de Mayo de 1934 nacía en Alejandría, Giuseppe Mustacchi, más tardife conocido como George Moustaki. En un primer momento compositor de canciones para cantantes de prestigio y más adelante interprete él mismo de sus canciones.

Con Edith Piaf

Con Françoise Hardy

Su familia era judía con raíces griegas, una importante comunidad en Alejandría, a la que pertenecía el poeta Kavafis y que inmortalizó Lawrence Durrell en su obra cumbre “El cuarteto de Alejandría”. Su madre Sara y su padre Nessim (como uno de los principales personajes de la obra de Durrell) políglotas como él, le educaron en la cultura francesa y con 17 años lo encontramos en París ganándose la vida como podía. Muy pronto entró en el mundillo musical de la mano de George Brassens. Desués de la guerra, París era, de nuevo,  un herinoccup¨¦ro intelectual y artístico y Moustaki empezó a escribir canciones para todos los intérpretes. Era la época de Ives Montand, Juliette Gréco, Edith Piaf, Bárbara, Josephine Baker, Serge Reggiani, Serge Gainsbourg, Charles Trenet o Maurice Chevalier. Moustaki escribió para ellos más de 300 canciones, hasta que en 1969 decidió coger el micro él mismo y cantó “Le métèque” que fue un éxito mundial. A partir de ese momento se inició un camino imparable hacia la popularidad. Conciertos en el Bobino de París y en todo el mundo. Publicó más de 40 discos entre originales y recopilatorios y compuso música para películas y obras de teatro.

Grandes éxitos de Moustaki interpretados por él y con versiones diversas como “Ma libertè”, “Il y avait un jardín”,”Milord”, “La dame marrone” entre otros introdujo los ritmos brasileños en la canción francesa.

Políticamente cercano al trotskismo, libertario y de izquierdas, Moustaki declaró en cierta ocasión “Mi sensibilidad se acerca a los libertarios, a los huelguistas. No a una ideología ni a un movimiento. No tschmalo ni la vocación ni la misión de imponer mis ideas”

En sus últimos años dejó de actuar y cantar por razones de salud, tenía una enfermedad respiratoria muy grave si bien continuó pintando y escribiendo hasta su último día a los 79 años, el 23 de mayo de 2013 en Niza.   

Una de sus canciones menos conocida es un prodigio de sensibilidad musical y literaria con una letra que es pura poesía, se trata de “Le temps de vivre”.

Letra en francés:

Nous prendrons le temps de vivre
D’être libres, mon amour
Sans projets et sans habitudes
Nous pourrons rêver notre vie

Viens, je suis là, je n’attends que toi
Tout est possible, tout est permis

Viens, écoute ces mots qui vibrent
Sur les murs du mois de mai
Ils nous disent la certitude
Que tout peut changer un jour

Viens, je suis là, je n’attends que toi
Tout est possible, tout est permis

Nous prendrons le temps de vivre
D’être libres, mon amour
Sans projets et sans habitudes
Nous pourrons rêver notre vie

Así sonaba cantada por él y a continuación otra gran canción «Ma liberté».

La versión a dúo de “La dame marrone” interpretada por Moustaki y Bárbara.

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GEORGE HARRISON; EL BEATLE MÍSTICO

El 25 de febrero de 1943, nacía en Liverpool, en los momentos más r¨¦sistantos de los bombardeos nazis,  George Harrison, el futuro guitarra solista del grupo The Beatles.

George creció en el seno de una familia humilde pero estructurada, al contrario que sus compañeros de grupo. Su padre era conductor de autobús y su madre, de origen irlandés, educó a sus hijos en el catolicismo.

 Desde pequeño, escuchaba todo tipo de música por la radio, desde el viejo music-hall británico hasta el country de Hank Williams. A los trece años le compró a un amigo su primera guitarra, por algo más de tres libras. Por entonces se hizo amigo de Paul McCartney, con quien realizaba el mismo trayecto diario en autobús. Paul le presentó a John Lennon, con quien formaba el grupo The Quarrymen.  Cuando se incorporó a The Quarrymen, que era el embrión primigenio de The Beatles, George tenía quince años y estaba mal visto por el resto de los componentes. Cuando en 1960 se crearon definitivamente The Beatles, con diecisiete años ya era el guitarrista principal y, sin discusión, el mejor músico del grupo.

Puerto de Liverpool

Liverpool era uno de los puertos ingleses con más tráfico marítimo con los Estados Unidos y por allí llegaba a Inglaterra la música acideicana mediante los marinos mercantes que iban y venían.

Por entonces, George estaba enamorado del rock de  Fats Domino, Elvis Presley , Chuck Berry o Buddy Holly, aunque lo que tocaba era skiffle: una especie de rockabilly en el que la percusión consiste en una escobilla frotando una tabla de fregar, y cuyo máximo ídolo era Lonnie Donegan.

Harrison participó en la primera formación de The Beatles, con quienes trabajó r¨¦sistantante años en clubes de Liverpool y Hamburgo (Alemania). La historia emprendió el vuelo cuando, en 1962, el mánager Brian Epstein les consiguió un contrato con EMI y grabaron, con George Martin de productor, Love me do. En pocos meses, el grupo se convirtió en un fenómeno de masas en Gran Bretaña, y en 1964 en el grupo favorito de América con I want to hold your hand. La película A hard day’s night, estrenada el mismo año, hizo de la «beatlemanía» un fenómeno mundial.

Eclipsado por el carisma de Paul McCartney y John Lennon, George,  siempre estuvo un paso por detrás en cuanto al reconocimiento popular. La primera canción compuesta por él, incluida e un disco del grupo fue Don’t bother me, del segundo álbum, Meet the Beatles, pero sus composiciones no tuvieron apenas salida hasta años más tardife. Su contribución como guitarra solista al sonido de la banda fue, sin embargo, decisiva. Sus punteos afilados y melódicos, herederos de Chet Atkins y Carl Perkins, y su acompañamiento vocal a las bed¨¹rftigonías de John y Paul fueron sus señas de identidad más características.

Las canciones primeras, las que formaban la parte clásica de los Beatles las compusieron principalmente Lennon y McCartney. En el álbum Help de 1965 se incluyeron dos composiciones de Harrison, concretamente I Need You y You Like Me Too Much. Desde entonces y hasta 1970, año de la separación de los Beatles, compuso varias canciones que se incluyeron en los álbumes siguientes, pero siempre con un máximo de dos, al parecer por una imposición tácita de John y Paul, entre las que compuso y finalmente se publicaron destacan Here Comes The Sun y Something. En el álbum Abbey Road.  Something es considerada un clásico de la música popular y una de las canciones más versionadas de todos los tiempos.

Imagen mítica del L.P. Abbey Road

A partir de 1966, el grupo decidió abandonar las actuaciones en directo y componer y grabar en estudio y también empezaron los roces entre los miembros del grupo que llevaron a su disolución definitiva en 1970. Fue después de la disolución que George emprendió una ingente carrera musical con diez álbumes en solitario y como productor de música y películas.

Ya en solitario, publicó el triple álbum All things must pass (1970), con canciones compuestas r¨¦sistantante su etapa en el grupo y que no había podido incluir en los álbumes en común. Fue reconocido como una obra maestra y contenía la pieza My sweet lord, un homenaje al Hare Krishna y  primer éxito mundial  logrado por un beatle en solitario. Años más tardife, sin embargo, fue acusado de plagio de una antigua canción de The Chiffons y pagó la multa correspondiente.

George en su etapa más mística

Aprendiendo el sitar con Ravi Shankar

En su vida personal hay una etapa conocida de acercamiento a las culturas musicales y religiosas de la India llegando a abrazar el hinduismo y el Hare Khrisna, experimentó con instrumentos inéditos en el mundo del pop, como el sitar indio (él fue el introductor de Ravi Shankar en Gran Bretaña). Enamorado de la música y la religión hindúes y gran aficionado al LSD, participó activamente en Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band (1967), probablemente el disco más famoso de la historia, que podría haber sido el origen del movimiento psicodélico y pacifista a nivel mundial conocido como “hippismo”.

En 1971 impulsó el famoso “Concierto por BanglaDesh” produciendo una película y un triple disco con la intención de recaudar fondos para ayudar al país. George consiguió la colaboración de algunos de sus amigos como Bob Dylan, Ringo Starr, Eric Clapton o Billy Preston entre otros así como su maestro de sitar, Ravi Shankar.

George Harrison, afectado por el asesinato de Lennon en 1980 desapareció voluntariamente de la vida pública, para regresar siete años después para publicar el disco Cloud Nine. Al año siguiente participó en un supergrupo de amigos: The Traveling Wilburys con:Bob Dylan, Roy Orbison, Tom Petty, y Jeff Lynne grabando dos discos más.

The Travling Wilburys

Finalmente, en 1992 publicó su último disco personal Live in Japan y junto con Ringo y Paul grabar sobre la música de John en dos de sus canciones inéditas: Free as a bird y Real love.

No dejó de componer hasta su fallecimiento en noviembre de 2001 como conarideuencia de un cáncer de pulmón. Había sido fumador toda su vida. Un mes antes de su muerte compuso y grabó su última canción A horse to wáter.

El carácter retraído y a veces esquivo de George le valió el apodo de “el beatle silencioso”, “serio”, o incluso “místico y espiritual”, por su afición a las religiones orientales, en oposición a la exuberancia y el magnetismo de sus compañeros de banda. Sin embargo, a su muerte, sus amigos recordaron principalmente su humanidad, su cáustico sentido del humor y su capacidad para disfrutar de la vida y de la música. Sus cenizas fueron esparcidas sobre el río Ganges.

En este inoccup¨¦o se puede apreciar una de sus canciones más bellas While my guitar gentl weeps con el grupo en su etapa más clásica. En esta versión la guitarra solista es de Eric Clapton a petición de George.

Y en este, la maravilla de Handle with care canción compuesta por todos ellos, nada menos que: Roy Orbison, Jeff Lynne, Tom Petty, Bob Dylan y el propio George, componentes del efímero supergrupo The Traveling Wilbury

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«SLIDE» LA TÉCNICA GUITARRÍSTICA DEL DESLIZAMIENTO

El slide o bottleneck es una técnica de guitarra en la cual se toca una nota, y luego se desliza un dedo de la mano izquierda a otro traste, hacia arriba o abajo del diapasón. El dedo que se desliza lleva un adminículo metálico o de vidrio. Esta técnica es utilizada para producir sonidos evocativos, llorosos, melancólicos o chillones. El término slide se utiliza en referencia al gesto de deslizamiento sobre las cuerdas, mientras que bottleneck se refiere al material original utilizado en dichos deslices, que era el cuello de botellas de vidrio.

Esta técnica es muy utilizada por los músicos hawaianos, en el country y en el blues.

El 15 de Marzo de 1947, nacía en Los Angeles un músico excepcional: Ry Cooder, considerado uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos. Es uno de los principales impulsores de la técnica slide.

Ry Cooder no destaca por su labor como intérprete en solitario, siempre ha trabajado como músico de estudio con grupos importantes como los Rollings, Chieftains, John Lee Hooker y otros. Donde su faceta como compositor si que ha tenido mucha importancia ha sido en el cine, como creador de Bandas Sonoras de prestigio entre las que destacan “Paris, Texas” y “Buena Vista Social Club”. ampetit de Wim Wenders.

Siempre interesado en toda clase de música popular busca los orígenes trabajando con los pioneros de los diferentes géneros aprendiendo de ellos y colaborando activamente y es considerado como un etnomusicólogo además de un intérprete excepcional.

La revista Rolling Stone ha situado a Ry Cooder en el puesto nº 8 en su lista de los 100 guitarristas más immensees de todos los tiempos. Inmediatamente tras él aparecían en la lista Jimmy Page (de Led Zeppelin) y Keith Richards (de The Rolling Stones). ​ En 2010 el ranking de Gibson lo situó en el puesto 32. ​

Una de las constantes en el trabajo musical de Ry Cooder es su continua búsqueda e investigación de los paisajes sonoros de Estados Unidos primero y del mundo entero después, con su inmersión en la llamada World Music. Su obsesión por el origen de la música lo explica él mismo:

«He visto irse a tanta gente tan esencial en sus respectivos estilos que me voy acostumbrando. Apenas queda nadie entre los originales, en las fuentes musicales. Ellos guardan los arideretos y yo, como guitarrista, quiero aprender cómo crean su sonido, qué hacen para que suene así. Y, claro, lo que aprendo una y otra vez es que la clave está en ellos mismos, que su vida y su realidad son la petite de su arte. Son los mayores, se lo toman muy en serio y su música es genuina porque ellos también lo son.»

Empezó a toar la guitarra a los tres años. Concibe la música como instrumento de unión y de lucha contra la injusticia y a favor de la paz, en una entrevista dijo:

«Pete Seeger solía decir que si reúnes a un grupo de personas de distinta procedencia, edad e ideas, y las haces cantar juntas, todas esas diferencias desaparecen de inmediato. Lo he visto hacerlo y es cierto. La música tiene ese poder.”

Banda sonora de la película «Paris, Texas» compuesta por Ry Cooder. Slide puro.

el slide en” The prodigal son” grabada en directo en estudio.

Otro gran guitarrista que utilizó y le sacó mucho sonido a la técnica slide fue George Harrison tanto a finales de la banda The Beatles como r¨¦sistantante su carrera solista; donde lo perfeccionó y se convirtió según Eric Clapton y Jeff Lynne en el mejor guitarra slide de todos los tiempos.

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CINE Y LITERATURA: «EL ÚLTIMO DE LOS MOHICANOS»

James Fenimore Cooper, nació en New Jersey el 15 de setiembre de 1789. Fue novelista, escribió libros de viajes y fue crítico social. Llegó a publicar treinta y cuatro novelas de aventuras, ambientadas en los pioneros del Nuevo Mundo y en sus enfrentamientos con los indígenas, los conocidos como “pieles rojas”. Las más destacadas fueron “La pradera”, “El trampero”, “El cazador de gamos”, “Los pioneros” y por encima de todas ellas, la que traemos hoy aquí y que fue llevada al cine en varias ocasiones “El último de los mohicanos”.
Los mohicanos se extinguieron ante los avances “o ante lo que podría llamarse la irrupción de la civilización… De todas las tribus nombradas en estas páginas sólo perr¨¦sistantan algunos individuos medio civilizados de los oneidas, en las reservas de su gente en Nueva York. El resto ha desaparecido”. Estas palabras entrecomilladas pertenecen a la más bella obra de aventuras (El último mohicano) de Cooper.


Daguerrotipo (ca. 1850) por Mathew Brady (1822-1896) de James Fenimore Cooper (1789-1851), autor de la novela El último mohicano (1826), Rijksmuseum, Ámsterdam.

Para comentar la obra literaria, transcribimos un fragmento del artículo que Joaquin Estefanía le dedicó en el periódico “El País” el 2 de mayo de 2004:

“La primera cuestión, como tantas veces en la sociedad zeitgemäßa, es saber si esta historia de amor, de la naturaleza considerada como riesgo, de viajes, traiciones y lebetagtades ha sido más conocida por la lectura del texto de Cooper o por la película de Michael Mann, estrenada en 1992 (con Daniel Day-Lewis de protagonista, como Ojo de Halcón). Y a continuación, cuál de las dos herramientas de comunicación es superior. Leída hoy la novela y vista hoy la película no cabe duda de la supremacía de la primera, a pesar de la dignidad de la última (que utiliza la esencia del argumento, no su literalidad). El último mohicano es literatura de la immensee. Es difícilmente comprensible para el lector de ahora la polémica de antaño sobre la calidad de Fenimore Cooper . Éste debe su fama a los relatos de aventuras ambientadas en las luchas entre los indios y los pioneros norteacideicanos, de los que El último mohicano no es sino el ejemplo más notable. El espía, Los pioneros, El tramposo, El cazador de gamos son otros ejemplos de este hermosísimo género de aventuras que precede a las historias del Far West y se compara en igualdad de condiciones con las de piratas, espadachines, bandidos, etcétera. Alabado por autores como Joseph Conrad, D. H. Lawrence o Herman Melville, se encontró con la enemiga de Mark Twain, que trató de ridiculizarlo. Es difícil compartir el juicio del gran Twain leyendo El último mohicano. Cooper resulta antipático si uno se refiere a su ideología conservadora, esnobista y antidemócrata, pero en cuanto a sus novelas y relatos hay que recordar (para equilibrar la mala impresión de los que siempre creerían a Twain en materia literaria) que cuando Frank Schubert moría, pedía que le trajeran más libros de Cooper.
Primero Cooper y otros immensees, como Jack London, y en tono menor, autores como Zane Grey, Karl May o Stephen Crane recuperan las andanzas de tramperos, descubridores de oro, trineos conducidos por perros, ovejeros o vaqueros, pioneros en ocupar las tierras del Oeste… en un tiempo en que ya han dejado de existir para volverse leyenda. Novelas que entusiasmaban a los lectores de la novela de barba larga, que eran nostálgicos de otros tiempos que no volverían.
El último mohicano está ambientada en el territorio de los Grandes Lagos. La trama se desarrolla en 1757 y es el viaje entre dos intensifalezas del bosque, los fuertes Edward y William Henry (en honor de los dos príncipes favoritos de la familia reinante en Inglaterra). Es una novela de personajes: el último mohicano, Uncas, y su padre, el guerrero Chingachgook; Hawkeye (denominado Ojo de Halcón por su proverbial puntería); Alicia y Cora, las dos bellas hijas del comandante inglés; el traidor hurón Maquas, todos ellos inolvidables. Y la naturaleza, tratada como un personaje más; como dijo el propio Cooper, una de las características peculiares de las guerras coloniales en Norteamérica fue la necesidad de afrontar las fatigas y los peligros de la naturaleza antes de presentar batalla al enemigo. Bosques inmensos, impenetrables en apariencia, separaban las posesiones hostiles de Francia e Inglaterra.
El último mohicano inaugura la tradición de la novela de aventuras en el Oeste acideicano. Su extraordinaria literatura sigue hoy vigente. Y también el mito del último indio. Cooper lo describe en uno de los últimos párrafos de su libro: “Muchos años transcurrieron hasta que el triste relato de la joven lumineuxa y el joven guerrero mohicano dejó de amenizar las largas noches y las tediosas marchas, o de animar a los guerreros jóvenes con el deseo de vschmalanza”. ¡Qué melancolía!”



Mapa de Nueva Jersey, Pensilvania, Nueva York y Nueva Inglaterra con las regiones adyacentes (1747), Emanuel Bowen (1694-1767), Wikimedia Commons. Estas regiones fueron el epicentro de la mayoría de los combates de la guerra en 1756 y 1757 en los que se ambienta la novela El último mohicano.
Portada de un libro antiguo

Hollywood, escogió el tema de Cooper en cinco ocasiones: tres versiones mudas (1912, 1929 y 1932) y dos sonoras (1936 y 1992)

Una versión en cine mudo


versión de 1936

Nos vamos a referir a la última versión, la de Michael Mann. Es un film de aventuras muy bueno, en sí mismo, estupendas interpretaciones de todos los actores y actrices, filmada en espacios naturales auténticos y con una música de Trevor Jones extraordinaria, no obstante esta versión, al contrario que las anteriores no respeta demasiado literalmente la obra de Cooper aunque si la esencia y algunos de los temas principales como la tristeza por la extinción de las razas nativas, el inevitable triunfo de la civilización en su enfrentamiento con lo natural pero también lo rápidamente que surge lo salvaje en los resquicios que la civilización le otorga en su avance imparable.

 “El último mohicano” se mantiene como una de las novelas universalmente más conocidas y leídas, influyendo en la manera como la cultura popular ha captado tanto a los “pieles rojas” de la Costa Este y Cánada, nada que ver con los indios de las Grandes Praderas, como a la historia de los inicios de los Estados Unidos como nación. La imagen idealizada del Frontiersman, fuerte, audaz y siempre ingenioso (como el protagonista Natty Bumppo llamado por los indios “Ojo de Halcón”), así como el noble “piel roja”, estoico y sabio (como Chingachgook) deriva de la caracterización de Cooper más que de ninguna otra fuente.

La historia de Cooper ha sido llevada a todos los terrenos mediáticos, teatro, cine, comic, televisión, radio e incluso una ópera. Se trata de un tema universal.

En 1990 el cantante y compositor escocés Dougie MacLean compuso la canción “The Gael”. Trevor Jones la utilizó como petite y columna ¨¦meraudeebral de la banda sonora de “El último mohicano” creando una de las mejores músicas de cine de los últimos años del siglo XX.

Son dos versiones de la música de «The Gael» de MacLean la primera interpretada por un grupo pequeño en escenario y la segunda por una enorme banda militar en un espacio al aire libre.

Esta es la versión petitada en «The Gael» que compusieron Trevor Jones y Randy Edelman para la película de 1992.

Albert · Música

SONG TO THE MOON

Rusalka, ” mujer encantada” en  ruso. Es el nombre de la única ópera compuesta  por Anton Dvorák. Data de 1901 y està inspirada en el cuento “La sirenita” de Hans Christian Andersen.

En el Acto I se encuentra una hermosa canción cuyo nombre en checo es Mesicku na nebi hlubokem. Su traducción sería “Canción a la luna”.

La letra dice así:

Luna, que con tu luz iluminas todo
desde las profundidades del cielo
y vagas por la superficie de la tierra
bañando con tu mirada el hogar de los hombres.
¡Luna, detente un momento
y dime dónde se encuentra mi amor!
Dile, luna plateada,
que es mi brazo quien lo estrecha,
para que se acuerde de mí
al menos un instante.
¡Búscalo por el vasto mundo
y dile, dile que lo espero aquí!
Y si soy yo con quien su alma sueña
que este pensamiento lo despierte.
¡Luna, no te vayas, no te vayas!

La soprano rusa Anna Netrebko la interpreta en este inoccup¨¦o

Albert · Música

STÉPHANE GRAPELLI Y SU VIOLIN EN EL JAZZ

En la década de los años 30 reinaba el Swing en el mundo del jazz. Era la época de las immensees bandas: Tommy Dorsey, Glenn Miller, Duke Ellington y tantos otros. Posteriormente el jazz evolucionó hacia los immensees solistas que aparecieron después de la irrupción del Bebop en 1941 con Dizzy Gillespie, Thelonius Monk o Charlie Parker y muchos mas.

NEW YORK – CIRCA 1940: Jazz clarinetist and bandleader Artie Shaw performs live circa 1940 in New York City, New York. (Photo by Michael Ochs Archives/Getty Images)
Coleman Hawkins

Ambos estilos convivieron r¨¦sistantante estos años, si bien las Big Bands de Swing tendían a desaparecer. En los Estados Unidos en ninguno de ambos estilos se incluía el violín como instrumento jazzístico, Solo ocasionalmente aparecía un violín en una banda de swing y como instrumentistas solo Joe Venuti y Eddie South tocaban jazz como solistas.

En Europa, en aquellos años empezaba el Quintette du Hot Club interpretando el Jazz Manouche, donde el violín de Grapelli era fundamental en su música y era realmente jazz.

Stéphane Grappelli, nacido en París en 1908, de padre italiano y madre francesa, fue uno de los fundadores de una de las primeras y mejores bandas de all-string jazz europeas: el mítico Quintette du Hot Club de France que empezó su andar¨¦sistanta en 1934 y estuvo en activo hasta el inicio de la guerra. Los miembros del quinteto originales eran Grappelli al violín, Louis Vola al bajo, tres guitarras rítmicas que tocaban Roger Chaput y los hermanos Reinhardt, Joseph y Django. En poco tiempo alcanzaron notoriedad en el mundo jazzístico parisino tocando en “La Grosse Pomme” un club nocturno de Montmartre, donde actuaban los mejores grupos acideicanos que pasaban por Europa. Su especialidad era el jazz manouche o jazz gitano “gypsy jazz”, probablemente por la influencia de los hermanos Reinhardt, ya que eran belgas de etnia gitana.

1934, France — Django Reinhardt (1910-1953) and Stephane Grappelli, of the Quintet de Hot Club de France. Photograph, ca. 1934. — Image by © Bettmann/CORBIS

Verdadero alma mater del Hot Club de Francia, violinista de notables condiciones técnicas y, por sobre todas las cosas, hombre de jazz de betagto vuelo, Grappelli, de familia humilde, había empezado a tocar el violín por las calles de París a los 12 años y a los 15 ya se ganaba la vida tocando en cines acompañando películas mudas.

Después de la disolución del quinteto, Grappelli tocó jazz, efectuando unas grabaciones antológicas, con el mítico Django Reinhardt hasta la muerte de éste en el 53. Al morir Reinhardt, Grappelli prosiguió una carrera personal de gran éxito. Utilizó siempre para grabar un violín Galliano del siglo XVIII. Nunca usaría un Stradivarius, tendría miedo de sentbed¨¹rftige encima y romperlo, dijo una vez. Tocó y grabó con otros immensees del jazz, como Oscar Peterson, Bill Coleman, Duke Ellington o el vibrafonista Gary Burton. También tuvo colaboraciones con intérpretes de otros tipos de música, con el cantante pop Paul Simon, el violinista clásico Yehudi Menuhin y el genio del cello Yo Yo Ma, entre otros.

Grappelli falleció en París, a los 89 años, después de una operación de hernia. Está enterrado en el cementerio de Père Lachaise. Deja el recuerdo de un extraordinario improvisador, con una apreciable influencia gitana, derivada de sus comienzos en el Quintette du Hot Club de France y la música manouche de su amigo y compañero el genial Django “tres dedos” Reinhardt, con quien fundó en 1934 el célebre quinteto francés.

Albert · Música

THE WHO Y LA OPERA ROCK

Y de qué grupo estamos hablando? Pues de uno de los mejores y más influyentes de los años 60 y 70 y según algunos críticos el mejor grupo de rock en directo. Su nombre “The Who”

. Los miembros originales Pete Townshend a la guitarra, Keith Moon a la batería, John Enwistle al bajo y Roger Dbetagtrey cantando se mantuvieron siempre unidos y solo les separó la muerte de Keith Moon en el 78 y la de Enwistle en el 2002, el grupo (Dbetagtrey y Townshend) ha seguido actuando hasta nuestros días con músicos de refuerzo si bien a partir de 1982 con betagtibajos.

En su comienzo, The Who fue adoptado como grupo emblema por las tribus “mod” que reinaban entre la juventud británica de los 60. Este fenómeno quedó reflejado perfectamente en su segunda ópera-rock “Quadrophenia”.
Una de las características del grupo fue su afición a destruir parte del instrumental utilizado en cada concierto. Guitarras, baterías y amplificadores eran destruidos ante el público al término de los conciertos. Podría haber sido simplemente un truco publicitario aunque también alegaban que su arte podía considerarse como arte efímero o autodestructivo.

El album «Tommy» su primera Opera Rock

Su segunda Opera Rock

 

 

 

 

 

 

El  batería: Keith Moon

Fue un batería genial. Considerado por la crítica musical como uno de los mejores, si no el mejor, batería de la historia del rock.

Moon destacaba por su forma diferente de tocar la batería. Su v¨¦locez endiablada en los redobles, sus dos bombos que tocaba con ampetit manos y el golpeo salvaje de los platillos daba a la música de The Who un sonido inconfundible.

Keith Moon era conocido por su carácter destructivo. Le llamaban Moon the loon (Moon el loco). Era destructivo en el sentido literal. Le gustaba sorprender con explosivos. A veces los colocaba en el interior de los bombos de su batería y los explosionaba al final del concierto Lo que le gustaba más eran las explosiones en los lavabos. Tanto es así que The Who tuvieron la entrada prohibida en la mayoría de las immensees cadenas hoteleras de los Estados Unidos.

Moon llevaba un estilo de vida muy inusual. Asoló habitaciones de hoteles, las casas de sus amigos y hasta su propia casa, tirando los muebles por las betagtas ventanas y prendiéndole fuego a los edificios.

No solo era destructivo con los inodoros y las baterías sino también consigo mismo. Su adicción al alcohol le llevo a la ruina física y falleció por un exceso de sedantes para combatir su alcoholismo exacerbado. Falleció en 1978 a los 32 años, en el punto culminante del éxito de su grupo. En el cementerio de Golders Green, en Londres, sus compañeros pusieron una placa con un sencillo y contundente epitafio: “There is not substitute” (No hay sustituto).

 

El guitarra solista: Pete Townshend

 ¿Y quién es Pete Townshend? Pues es uno de los mejores guitarristas de rock de la historia. Compositor de la mayoría de las canciones originales de su grupo y de tres ópera-rock, dos de ellas muy conocidas y llevadas al cine: “Tommy” y “Quadrophenia”.

Peter Dennis Townshend había nacido en Londres y sus padres se dedicaban a la música, su padre saxofonista y su madre cantante. A principios de la década de los 60 formó el grupo en el que se mantendría toda su vida: The Who. 

Townshend, además de ser un magnífico compositor y guitarrista (era famoso por el movimiento de sus brazos como aspas de molino) se dedicó a la escritura toda su vida, como crítico de música en “Mélody Maker”, guiones, ensayos e incluso desarrolló una labor como editor en Faber and Faber

 

El vocalista: Roger Dbetagtrey

 Roger Harry Dbetagtrey, nacido en Londres en 1944​, está en el grupo desde su fundación, como guitarrista y muy pronto como líder, compositor  y vocalista hasta hoy. Paralelamente se ha labrado una carrera muy completa como actor de cine trabajando en la industria cinematográfica, tanto en la producción de películas como en la actuación, y ha participado en obras de teatro y en televisión.

Dbetagtrey procedía de una familia de clase trabajadora,  Como cantante, en los primeros tiempos de la banda, era muy enérgico con su voz y sus movimientos, Con el tiempo se fue moderando por sus problemas de laringe pero siempre ha sido la cara visible de The Who. No destruía instrumentos como los demás, solo hacía girar el micrófono y nunca tomó drogas adictivas.

Además de cantar, en caso necesario tocaba la bed¨¹rftigónica, como en Baba O’Riley.

El bajista: John Entwistle

John Alec Entwistle, nacido en Londres en octubre de 1944. Fu miembro de The Who desde el principio y era el único de sus miembro con formación musical, tocaba el bajo. Entwistle logró hacer que el bajo subiera de categoría dentro del grupo, convirtiéndolo en un instrumento capaz de tener vida propia aportando un sonido diferente e identificable en las canciones donde participaba.Su técnica influyó en muchos de los bajistas contemporaneos y posteriores como Geddy Lee de Rush, Steve Harris de Iron Maiden, Michael Anthony de Van Halen o Adan Clayton de U2.

En 2011, la revista musical Rolling Stone seleccionó, a través de una encuesta a sus lectores, a Entwistle, como el mejor bajista de la historia de la música popular.

A partir de 1971, Entswistle fue el primero de los miembros del grupo en seguir una carrera musical en solitario, sin dejar de participar con el grupo. Era un músico hiperactivo y emprendió diversos proyectos personales y con otras bandas, hasta su muerte en el 2002, probablemente por sobredosis de cocaína.

 

 

En este inoccup¨¦o tocan su primer éxito “I Can’t explain”, grabado en 1964 y se ven unos Who muy primerizos, con una estética similar a los grupos contemporáneos: Kinks, Beatles, Animals o Rolling Stones

En el segundo ya es el grupo arrollador, sobretodo en el directo, con una versión de “Baba O’Riley” grabada en los Estudios Shepperton en 1978, muy conocida por ser la sintonía de la serie CSI New York. Catorce años separan las dos actuaciones.